Melhores Filmes do Ano em 2011

    Mas uma vez o Neocríticas tem o prazer de eleger os melhores filmes do ano, na opinião das pessoas que participararm ativamente da manutenção deste espaço no ano de 2011. Orgulhosamente ressaltando e parabenizando a integração de Dario Façanha a Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinéfilos (SBBC) e a de Elias Neves Gongalves a Associação de Críticos de Cinema do Pará  (ACCPA), conquistas merecidas de ambos neste ano de 2011. Sucesso!!!

 Melhores Filmes - 2011

1º "Cisne Negro" de Darren Aronofsky (34 pontos)

2º "A Árvore da Vida" de Terrence Malick (32 pontos)

3º "Cópia Fiel" de Abbas Kirostami (30 pontos)

4º "A Fita Branca" de Michael Haneke (23 pontos)

5º "Meia-Noite em Paris" de Woody Allen (19 pontos)

6º "Melancolia" de Lars Von Trier (15 pontos)

7º "A Pele que Habito" de Pedro Almodóvar (14 pontos)

8º "Bravura Indômita" de Ethan e Joel Coen (11 pontos)

9º "Namorados Para Sempre" de Derek Cianfrance (9 pontos)

10º "127 Horas" de Danny Boyle

       "Um Lugar Qualquer" de Sofia Coppola (7 pontos)

Melhores Filmes do Ano de 2011 - Listas Individuais

Dario Façanha
1º Cisne Negro
2º A Fita Branca
3º Cópia Fiel
4º Um Lugar Qualquer
5º 127 Horas
6º Namorados Para Sempre
7º A Pele que Habito
8º A Árvore da Vida
9º O Palhaço
10º Melancolia


Elias Neves Gonçalves
1º A Árvore da Vida
2º Melancolia
3º Cisne Negro
4º Cópia Fiel
5º A Fita Branca
6º Meia-Noite em Paris
7º Em um Mundo Melhor
8º Reencontrando a Felicidade
9º Homens e Deuses
10º A Pele que Habito


Salma Nogueira
1º Cópia Fiel
2º A Árvore da Vida
3º A Fita Branca
4º Cisne Negro
5º Meia-Noite em Paris
6º Melancolia
7º Bravura Indômita
8º A Pele que Habito
9º O Mágico
10º 127 Horas


Samy Twist
1º A Árvore da Vida
2º Cisne Negro
3º Meia-Noite em Paris
4º Bravura Indômita
5º A Pele que Habito
6º Cópia Fiel
7º Namorados Para Sempre
8º O Discurso do Rei
9º Amor e Outras Drogas
10º Pânico 4

Amanhã Nunca Mais

Passo Maior que as Pernas

Amanhã Nunca Mais (Brasil, 2011) é dotado de inúmeras referências, dentre as quais saltam aos olhos: a cena de abertura ao estilo Um Dia de Fúria (EUA, 1993), a trama de percalços ao longo de uma noite também vista em Depois de Horas (EUA, 1985) e o protagonista passivo que pressionado por situações extraordinárias explode em fúria e violência tal como o personagem de Dustin Hoffman em Sob o Domínio do Medo (EUA, 1971).

O problema, dentro deste contexto, reside na falta de personalidade própria do título brasileiro que, por sua vez, acaba perdendo a oportunidade de ser um interessante estudo sobre comportamentos alterados pelo sufocamento de uma metrópole para, assim, se contentar com a apresentação de um festival de tipos caricatos em meio a situações absurdas.

Não fosse o bastante, o diretor Tadeu Jungle opta por entregar tudo mastigado ao espectador - ignorando, portanto, palavras como síntese e sugestão¹ - através do esteio de uma trilha sonora insistentemente moldada para conduzir as reações do público, o que, convenhamos, é lamentável, visto que apesar de contar com efeitos sonoros extremamente bem editados, a música tão presente em cada cena serva apenas para tornar a experiência um enfado.

Dito isso, embora não se trate, ainda bem, de um filme de longa duração, o que fica é a impressão de que Amanhã Nunca Mais, face o teor repetitivo de seu enredo, alcançaria um melhor rendimento caso se limitasse ao formato de um curta-metragem. Eis o típico caso em que o passo dado fora maior do que as pernas.

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1.     Para não soar injusto, cabe dizer que uma sugestão é sim feita, e bem, qual seja a exposição da situação profissional/financeira do personagem principal, isto é, do médico anestesista que mesmo trabalhando dia e noite em plantões consecutivos ainda não consegue lograr um status econômico privilegiado; afinal, seu automóvel é popular, seu passeio com a família é para um balneário freqüentado por classes B e C e sua casa suburbana e apertada por certo não comporta as expectativas suas e de sua mulher. Tal realidade é mostrada nem sempre com sutileza, mas, ao se apoiar tão somente na força das imagens e nos sentidos do espectador, revela o quanto o trabalho de Tadeu Jungle seria melhor se ousasse mais nesse sentido.

COTAÇÃO: ۞۞

Ficha Técnica

Direção: Tadeu Jungle

Roteiro: Marcelo Muller, Mauricio Arruda, Tadeu Jungle

Produção:Paulo Roberto Schmidt

Elenco:Lázaro Ramos (Walter)Maria Luisa Mendonça (Miriam)Fernanda Machado (Solange)Milhem Cortaz (Geraldo)Luis Miranda (Motoboy)Paula Braun (Renata)Vic Militello (Dona Olga)Carlos Meceni (Cirurgião-chefe)Imara Reis, Arthur Kohl

Música: André Abujamra e Márcio Nigro

Fotografia: Ricardo Della Rosa

Edição: Estevan Santos e Jon Kadosca

Estreia: 11 de Novembro de 2011

Duração: 78 min.

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

A Árvore da Vida

AINDA SOBRE “A ÁRVORE DA VIDA” OU... CADA MACACO NO SEU GALHO!

 

O significado da palavra grega  pathos como paixão, excesso, catástrofe, sofrimento, passagem, assujeitamento,  parece ser a tônica dominante  na narrativa  e/ou  talvez seja a essência do filme  de Terrence Malick “A Árvore da Vida” (EUA, 2011). Aqui o termo pode adquirir uma amplitude de sentido e possibilita impressões várias  ao longo do filme.  Longe de ser catequético ou de impor  um ideal religioso - apesar de seu tom espiritualista e metafísico, - percebe-se a  sutileza de Mallick em alcançar ou corresponder a todos os olhares possíveis sejam eles  criacionistas, evolucionistas, humanistas, teológicos, filosóficos, agnósticos e até estéticos. A árvore de Mallick parece ter galho para todos os sapiens sapiens sem distinção.

De onde viemos e para onde vamos? Os deslumbrantes planos sobre a origem do universo e da criação das espécies traduzem essa força de potência e  assenhoramento do tempo através do ciclo ad infinitum da vida (empregando aqui um bom filosofês  dos pensadores).  A filosofia tem se ocupado destas questões e o cinema também. A árvore de Malick é um pretexto para esta discussão. Ademais, a tumultuada relação entre pai e filho é o ponto de tensão e ressoa por todo o núcleo familiar ao mesmo tempo que a  figura da mãe é a ponte que traduz o perdão, a graça e o amor – a equação colocada à prova no filme. A tão discutida sequência do big bang pode ser um simples capricho estético de Mallick – que aliás é muito bem-vindo, mas também impressiona quanto representação da mobilidade da vida. 

 

A  grandiloquência da fotografia em harmonia com a trilha sonora  é um dos pontos altos do filme e suaviza o peso que é observar o dilema  da personagem do pai que busca alcançar o melhor através das boas obras, mas Mr. O’Brien (Brad Pitt) chega à conclusão de que fracassou a vida inteira e  não alcançou altas posições. Só considerava seu maior feito a família. A citação do Livro de Jó “Onde estavas tu quando Eu lançava os fundamentos da terra?” no início do filme é pertinente e tem-se a impressão que Mr. O’Brien é um Jó revisitado que, submerso em conflitos, busca entender os porquês de estar fazendo o bem e não ser recompensado à altura. A idéia de passividade e sofrimento em meio às vicissitudes da vida é reforçado.

A sequência do encontro na praia extrapola o tempo e o espaço incorporando um  topos reconhecido somente por cada um de nós em  nosso imaginário espiritual ou onírico. Poesia e discurso se mesclam nesta cena carregada de emoção sem  qualquer traço de pieguismo, cumprindo singularmente uma  catarse que também é papel da arte, no caso a do cinema.

                                                                                      

 

Os comos e  porquês de uma típica família estadunidense dos  anos  50 que  passa por dilemas pessoais, conquistas, perdas e faz reflexões sobre a existência pode ser  considerado um tema universal. Assistir ao filme de Malick é  desafiador pois talvez provoque em nós sentimentos e questionamentos que adiamos ou simplesmente tememos confrontar. A perda por meio da morte talvez seja o mais desconfortável dentre os assuntos  tratados ao longo do filme

A Árvore de Terrence Malick  não se esgota e rende muito assunto.Sempre  será uma obra que divide opiniões e suscita outros tantos conceitos e pré-conceitos que suas imagens provocam na visão de cada espectador que  se propõe a ver o filme  por  inteiro.

Sim, assistir por inteiro sem abandonar a sala de cinema antes dos primeiros trinta minutos iniciais de projeção – aliás, fato este visivelmente constatado durante as sessões em que  estive presente. Possivelmente, alguém achou que tratava-se de mais um filme com o galã hollywoodiano Brad Pitt no elenco principal.

Eu adorei o filme, outros detestaram! Mais uma vez, cada macaco no seu galho, como diz o ditado!

Elias Neves (texto originalmente publicado em http://www.eliasneves.blogspot.com)

Melancolia

O APOCALIPSE SEGUNDO LARS VON TRIER

Um planeta em rota de colisão com a Terra anunciando uma catástrofe global. Estranhos fenômenos celestes alterando a natureza dos astros e dos animais. Uma festa de casamento e uma noiva flutuando num riacho evocando a pintura pré-rafaelita “O Suicídio de Ofélia”. Chuva de pássaros mortos, de cinzas e de pedras. Citação de números que parecem enigmáticos e místicos. Toda essa sucessão de imagens ao som do prelúdio de Tristão e Isolda, consagrada ópera de Wagner. É com este prólogo repleto de cenas surreais e simbólicas, mas inegavelmente poéticas, que começa “Melancholia”, o mais novo filme de Lars Von Trier, já considerado pela crítica européia o melhor  filme  do ano.

A atmosfera trágica do roteiro parece dialogar com o apocalipse bíblico cristão e o espectador  se sentirá tentado, por vezes, a fazer analogias diretamente com o texto do livro sagrado, porém  Lars Von Trier não tem a pretensão em parecer óbvio demais. A aniquilação de tudo vai muito mais além do terrível espetáculo visual da destruição da vida terrena. Faz um outro caminho e toma uma proporção pessoal  principalmente na vida das personagens Justine (Kirsten Dunst) e Claire (Charlotte Gainsbourg), as duas irmãs que vivem  uma relação quase simbiótica não fosse a diferente e particular maneira de cada uma no enfrentamento da vida e da realidade dos fatos. 

 

Não por acaso, Melancholia é dividido em dois capítulos, Justine - parte 1 e Claire – parte 2, um pretexto para esmiuçar a personalidade de ambas. Justine, insegura e imprevisível, é acometida de uma depressão paralisante e é socorrida por Claire que aparentemente é mais equilibrada e forte. E exatamente neste processo de conjunção entre planetas que a postura das irmãs tem uma reviravolta e vem à tona a discussão sobre o medo, o desconhecido, a solidão, a vida e a morte. Há quem veja metaforicamente os dois planetas como a representação das irmãs, porém esta leitura não é mais relevante que o tom áspero e amargo dos diálogos que seguem o filme inteiro atingindo em cheio nossos melindres diante destes temas. E fatalmente somos convidados a deitar neste divã cinematográfico e fazermos uma ligeira análise sobre a existência durante a sessão de cinema.

 

Em entrevistas, Lars Von Trier declarou que estava acometido de uma  profunda depressão no período em que filmou “Anticristo”, e tal estado de ânimo estendeu-se até “Melancholia”. Se a obra reflete este estado de alma do autor encontramos na narrativa um pessimismo existencial  tão semelhante quanto aos de filósofos como Schopenhauer e Nietzsche que discutem à exaustão a condição e miséria do ser humano em seus  valores e seus rituais de vida.

                                                                                    

   

Melancholia pode ser a visão particular de um apocalipse perante a vida mas também pode ser um ponto de reflexão para cada um de nós que, no recôndito da “caverna mágica”, pode apenas julgar a si próprio e chegar a uma absolvição ou condenação.

 

 

 

Elias Neves (texto originalmente publicado em http://www.eliasneves.blogspot.com)

Morte em Veneza

Obra Aberta

Theodor Adorno certa vez afirmou: “A grandeza de uma obra de arte está fundamentalmente no seu caráter ambíguo, que deixa ao espectador decidir sobre o seu significado”. Neste diapasão, a ambiguidade é o elemento brilhantemente manuseado por Luchino Visconti em Morte em Veneza (Itália, 1971), afinal, para o personagem principal do longa-metragem, o músico Gustav von Aschenbach, a beleza suprema, para ser alcançada, exigiria um rigor formal que rejeitaria, por conseguinte, qualquer toada propícia a tornar seus trabalhos abertos a interpretações.

Por ser o belo, entretanto, um conceito mergulhado em subjetivismo, o pragmático artista não tarda a ver suas crenças ruírem perante o inesperado encontro com um garoto que, para Aschenbach, corresponde ao estado ideal da beleza. Ato contínuo, as trocas de olhares são estabelecidas entre os dois, gerando no primeiro uma subserviência platônica que o leva a se digladiar entre as memórias de suas discussões doutrinárias e o atual desejo pederasta experimentado.

Ante o exposto, as nuances homossexuais são abraçadas sem pudor por Visconti¹ como forma de, assim, tornar mais pujante o conflito de Aschenbach acerca de seus rígidos ditames sobre a arte e sobre a vida, daí porque por mais notório que em certas passagens se mostre a conotação sexual da admiração nutrida entre o homem e o adolescente², o contexto estético/artístico é sempre lembrado para, desta feita, não banalizar nem simplificar os dilemas do protagonista.

Ademais, não fosse o bastante a eficiência e o respeito com que manipula tamanha ambigüidade, o diretor italiano ainda aproveita para inserir em Morte em Veneza características deveras peculiares de sua filmografia, tais como: o decadentismo – a exemplo do que fora mostrado em Vagas Estrelas da Ursa (Itália, 1966) – e a capacidade de abordagem de um roteiro de traços intimistas em meio a uma ambientação épica – tal como feito em O Leopardo (Itália, 1963).

Por fim, uma vez que se trata da adaptação cinematográfica de uma novela do alemão Thomas Mann³, inspirada, por sua vez, na personalidade do compositor austríaco Gustav Mahler, Visconti utiliza a 3ª e a 5ª Sinfonias do compositor como símbolos das emoções vividas por Gustav von Aschenbach, razão pela qual o cineasta não raro dispensa diálogos em benefício da trilha sonora que associada a magnífica interpretação de Dirk Bogarde retratam em imagens um martírio cuja natureza, conforme o estímulo de T. Adorno, cabe a você decidir.

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1.  A escalação de Dirk Bogarde para o papel principal do longa-metragem também colaborou para aumentar a polêmica sobre o teor homossexual da obra dado o fato de o ator ser gay.

2.  Neste sentido, o próprio Thomas Mann teria passado por experiência semelhante àquela vivida pelo protagonista de sua novela, senão vejamos: “Objeto de desejo de um escritor no livro – e de um compositor no filme -, Tadzio, descobriu-se, teria realmente existido e inspirado Mann, que tinha pendores homossexuais. O seu nome real seria Wladyslaw Moes, de origem polonesa, e ele teria estado em Veneza, de fato, no início do século, na mesma época em que Mann visitou o local. Moes leu o romance e identificou várias passagens com situações vividas por ele durante a viagem – inclusive a saída de sua família da cidade em virtude do surto de cólera. A história foi confirmada pelo tradutor de Mann para o polonês, Andrej Doegowski, na revista Twen” (FONTE: http://www.screamyell.com.br/secoes/morteemveneza.htm).

3. Além do romance original, Luchino Visconti também se inspirou em outros trabalhos para compor Morte em Veneza. Assim, “Além de se inspirar nos diálogos entre os compositores Mahler e Schoenberg para compor Aschenbach, o pensamento dos filósofos Friedrich Nietzsche e Arthur Schopenhauer são outras referências na discussão estética desenvolvida no correr da história”  (Fonte: Bravo! 100 Filmes Essenciais. 3ª Ed. São Paulo: Abril, 2009. p. 77).

COTAÇÃO – ۞۞۞۞۞

Ficha Técnica

Título Original: Morte a Venezia

Direção e Produção: Luchino Visconti

Roteiro: Nicola Badalucco e Luchino Visconti, baseado em novela de Thomas Mann

Elenco: Silvana Mangano (Tadzio's mother) Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach) Carole André (Carole Andre) Marisa Berenson (Frau von Aschenbach) Antonio Appicella (Vagrant)Luigi Battaglia (Scapegrace)Eva Axén (Tadzio's oldest sister) Mark Burns (Alfred)Sergio Garfagnoli (Jaschu, Polish youth)

Fotografia: Pasqualino De Santis

Figurino: Piero Tosi

Direção de Arte: Ferdinando Scarfiotti

Edição: Ruggero Mastroianni

País de Origem: Itália

Duração: 128 minutos

Curiosidade: “É irônico, mas na vida real, o destruído mesmo pela beleza de Tadzio foi seu intérprete, o menino sueco Bjorn Andrésen, que tinha só 14 anos quando fez o filme que o transformou em objeto de desejo no mundo inteiro. Quando Visconti o escolheu ele estudava música, morava com o padrasto e tinha, naturalmente, expectativas muito mais modestas na vida.  Depois de Morte em Veneza tentou seguir a carreira de ator, lançou-se como cantor, mas não teve nenhum sucesso: havia-se tornado prisioneiro de Tadzio. (...) Bjorn conta que não importava o que ele quisesse mostrar: todas as platéias só esperavam e queriam ver "o menino mais bonito do mundo", que Visconti havia imortalizado (...) Bjorn não tem boas lembranças daquela época, muito menos do filme.  Está certo de que teria sido mais feliz se não o tivesse feito, e confessa que se sentiu traído por Visconti, porque filmou sem ter nenhuma noção da temática homossexual de Morte em Veneza, que o perturbou a ponto de interferir em sua sexualidade” (FONTE: http://gloriafperez.blogspot.com/2007/12/morte-em-veneza-o-drama-na-vida-real.html).

  

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas

 TIO CHICO, QUE (TAMBÉM) PODE RECORDAR SUAS VIDAS PASSADAS

Com um título estranho e longo, “TIO BOONMEE, QUE PODE RECORDAR SUAS VIDAS PASSADAS” (Tailândia/ Reino Unido/ França/ Alemanha/Espanha/Holanda, 2010), do cineasta Apichatpong Weerasethakul   é um filme tão esdrúxulo  quanto o nome do seu autor. Baseia-se no livro “A Man Who Can Recall His Past Lives” que  trata sobre vidas passadas e espiritualidade à moda Osho  e com forte discurso da filosofia budista numa atmosfera de carga sobrenatural.  Pode até parecer preconceito  de um ocidental  contra o mundo oriental, mas não é. Mesmo sabendo previamente sobre a temática do filme, eu deixei do lado de fora da sala de projeção o meu olhar judaico-cristão para poder receber o filme isento de qualquer interferência,  ainda  assim foi uma recepção pouco prazerosa como obra de cinema. Não há como negar que a poesia  está presente na narrativa do filme, mas o ritmo da história não coopera o bastante para cativar um espectador leigo e  segurar o raciocínio sobre um argumento já por si mesmo tão  complexo:  vidas passadas, espiritualidade e crenças animistas.   

A história de um homem que descobre uma doença incurável e vê-se diante da morte iminente pressupõe uma reflexão existencial profunda  visto pela ótica da razão, mas aqui o personagem recebe a ‘visita espiritual’ da esposa morta que vem cuidar dele e conduzi-lo a uma  caminhada espiritual sobre as suas vidas passadas e fazer a passagem para  a outra vida. A argumentação, portanto, é puramente emocional.

O teor fantasmagórico do filme também não ajuda muito. A trajetória espiritual do personagem em suas vidas passadas demonstra ser muito peculiar e específica dentro da cultura e religião tailandesa e estes elementos tornam o filme ainda mais delicado e complexo, diria que até mesmo pouco palatável para um espectador mediano ou com bom conhecimento prévio, mas como há gosto para tudo não se pode barrar o filme somente por este aspecto.

Acredito que os temas sobre a espiritualidade podem ser tratados no cinema, porém de uma maneira menos hermética  e mais comum  possível, não ficando numa abstração inatingível. Temos  exemplo recentes de filmes  que tratam sobre a espiritualidade de uma  maneira mais acessível e até didática, mesmo com seus  possíveis deslizes de roteiro e fragilidade no  tratamento  do assunto abordado. É o caso de “CHICO XAVIER” e “NOSSO LAR”, nossas produções made in brazil. Fazendo uma comparação até mesmo irreverente, posso especular que se o filme sobre Chico Xavier  fosse apresentado em Cannes seria páreo duro com o Tio Boonmee no quesito vidas passadas, afinal nosso  “Tio Chico” foi (ou é) autoridade no assunto.

Bem, brincadeiras à parte, as religiões orientais que tratam de vidas passadas mescladas com filosofias de gurus parecem ser uma crença ou estilo de vida  buscados por uma  minoria de pessoas ricas e endinheiradas que se reconhecem no exotismo e extravagância que a cultura oriental exala. Quem sabe este não foi um ponto motivador para que o júri em Cannes  elegesse  o “Tio Boonmee” o melhor guru, digo,melhor filme do ano [de 2010]?

 

Elias Neves (versão integral do texto publicada em http://www.eliasneves.blogspot.com)

O Palhaço

Que Venha Mais!

Em O Palhaço (Brasil, 2011) Selton Mello lança um olhar sobre a melancolia de um artista circense em dúvida quanto a sua vocação. Considerando que tais conceito e ambientação já haviam sido tratados, por exemplo, por Chaplin, Fellini e até mesmo Cacá Diegues em seu Bye Bye Brasil (Brasil, 1980), Selton corria o sério risco de entregar um trabalho que chovesse no molhado, sendo, assim, aquém das comparações.

Neste sentido, se em Feliz Natal (Brasil, 2008) o então cineasta estreante não negava a inspiração nas realizações de John Cassavetes, em seu segundo longa-metragem o agora diretor de televisão e cinema também não tenta camuflar suas influências, o que, além de revelar honestidade perante si e perante o respeitável público, lhe permite dar o necessário passo adiante rumo a aquisição de uma marca que lhe seja própria.

Para tanto, Selton se vale de uma precisão técnica que, somada a escolhas inteligentes, o habilitam a, sem maquinações, compor uma obra deliciosamente poética e esperançosa; daí ser possível concluir que a força de seu projeto advém menos da temática – que em momento algum se insinua inédita – e mais da forma como esta é lapidada. Um exemplo disso, cabe dizer, reside na metáfora do protagonista que, de posse tão somente da certidão de nascimento, fica angustiado ao ser rotineiramente instado a apresentar RG, CPF e comprovante de residência, ideia essa que resume de maneira brilhante a atemporal história da crise de identidade enfrentada por um ser desmotivado com o rumo da vida.

Primorosamente decupado e fotografado, O Palhaço traz em seu bojo um belo exercício de direção de arte e uma magistral trilha sonora cuja presença marcante, ressalte-se, faz a música extravasar as fronteiras da diegese, para, ato contínuo, assumir no filme uma espécie de função narradora. Por fim, no que tange a condução dos atores, o cineasta demonstra mais uma vez sensibilidade para a tarefa, a qual desta vez é cumprida com senso de humor suficiente para tornar impagáveis algumas das diversas participações especiais por ele arquitetadas – dentre as quais se destacam, por óbvio, as aparições de Moacyr Franco, na pele de um delegado mercenário, e de Tonico Pereira encarnado irmãos gêmeos um tanto quanto turrões.

Todos esses são fatores que, uma vez reunidos com eficiência por Selton Mello, acarretam para este um atestado de competência apto a afastar qualquer hipótese de limitação de seu talento ao trabalho de estreia, motivo pelo qual muito mais se pode esperar do futuro. O cinema nacional agradece.

 

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

 

COTAÇÃO – ۞۞۞۞

Ficha Técnica

Direção: Selton Mello

Roteiro: Marcelo Vindicatto e Selton Mello

Produção: Selton Mello, Vânia Catani

Elenco: Hossen Minussi (Chico Lorota)Teuda Bara (Dona Zaira)Selton Mello (Benjamim/Palhaço Pangaré)Danton Mello (Aldo), Larissa Manoela (Guilhermina)Giselle Motta (Lola)Paulo José (Valdemar/Palhaço Puro Sangue)Thogun (Gordini)Fabiana Karla (Tonha)Tonico Pereira (Beto/Deto Papagaio)Moacyr Franco (Delegado Justo)Tony Tonelada (Meio Quilo)Renato Macedo (Borrachinha)Ferrugem (Atendente da Prefeitura)Cadu Fávero (Tony Lo Bianco)Álamo Facó (João Lorota)Moacir FrancoJorge Loredo (Nei)Jackson Antunes (Juca Bigode)Bruna Chiaradia (Justine)Maira Chasseraux (Lara Lane)Erom Cordeiro (Robson Felix)Maria Manoella

Música: Plínio Profeta

Fotografia: Adrian Teijido

Direção de Arte: Claudio Amaral Peixoto

Figurino: Kika Lopes

Edição: Marília Moraes

Estreia no Brasil: 28 de Outubro de 2011

Duração: 88 min.

Chuvas de Verão

Mosaico Quebradiço

Críticas interessantes são aquelas que mesmo dispensando menção a sinopse aguçam a curiosidade do público para com a obra comentada. Há hipóteses, porém, em que o resumo da narrativa se revela indissociável da análise graças a peculiaridades da trama que clamam por avaliações.  

Por isso, cabe dizer que Chuvas de Verão (Brasil, 1977) gira em torno dos quatro primeiros dias de aposentadoria vividos pelo personagem principal ao lado de vizinhos, amigos e parentes cujos desânimos e privações caminham paralelamente as incertezas daquele primeiro. Cumprida, portanto, essa fase introdutória do texto, passemos, então, ao cerne da discussão:

Há diretores, como Pedro Almodóvar, que conseguem trabalhar com um emaranhado de personagens e trajetórias sem prejudicar a coesão e a própria validez do longa-metragem. Nesse caso o risco da empreitada, por óbvio, é sempre maior dada a possibilidade de:

·         assuntos virem a ser mal aproveitados;

·         a edição não lograr êxito em dar para cada tópico o tempo necessário ou merecido.

Dentro deste contexto, Chuvas de Verão funciona como exemplo de uma malfadada tentativa nesse sentido. Mediante um roteiro que aborda temas variados como: terceira idade, solidão, violência, desigualdade social, homossexualismo e moralidade, Cacá Diegues atira para todos os lados sem acertar nenhum alvo específico, de forma que sua intenção de realizar um retrato comportamental sobre parcela da sociedade, acaba resvalando na pretensão.

Como outrora sugerido, reunir com sucesso muitos plots em torno de um só eixo não é tarefa impossível, desde que reste garantido a cada ramificação o respectivo e devido desenvolvimento, aspecto esse que, no caso do filme de Diegues, se mostra comprometido graças a enfoques rasos e superficiais acompanhados de conclusões ora abruptas ora dispensáveis.

Em razão da presença de tantas histórias e tantos personagens duas hipóteses, por certo, se adequariam com mais eficiência a produção, quais sejam o desmembramento do roteiro para utilização de suas idéias ao longo de três ou quatro curtas-metragens ou o descarte de, pelo menos, duas ou três sub-tramas para assim viabilizar a profundidade requerida pelos dramas encenados; afinal, a mera sugestão, convenhamos, não é o bastante para uma obra que se propõe a tantas discussões. Ao tentar abraçar o mundo com as pernas, Cacá Diegues despe seu projeto de qualquer espontaneidade e o insere no rol daqueles que se afogam nas próprias boas intenções.¹

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¹ Nesta toada, Carandiru (Brasil, Hector Babenco, 2003) é outro exemplo de obra nacional que padece do mesmo vício.

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

 

COTAÇÃO: ۞۞

Ficha Técnica

Direção e Roteiro: Cacá Diegues

Elenco: Jofre Soares (Afonso)Gracinda Freire, Carlos Gregório, Regina Casé, Rodolfo Arena, Marieta Severo (Dodora)Daniel Filho (Geraldinho)Paulo César Peréio (Juraci), Roberto Bonfim (delegado), Cristina Aché (Lurdinha)Míriam Pires (Isaura)

Duração: 96 minutos

A Árvore da Vida/Limite

O Limite da Vida

I – A Árvore da Vida e Limite:

Terrence Mallick – de modo parecido aquele adotado por Stanley Kubrick em 2001 – Uma Odisseia no Espaço (EUA, 1968) – busca, em A Árvore da Vida (EUA, 2011), compreender o homem sob um viés cósmico que o leva a percorrer o surgimento do universo, a era jurássica e seu fim, bem como aquele que será o nosso apocalipse. Tamanho percurso serve como referência e justificativa a angústia alimentada pelo homem em torno de sua finitude, afinal, uma vez ciente de sua fugacidade, o ser humano passa a questionar seu papel no mundo, surgindo daí perguntas de caráter ora metafísico ora filosófico ora religioso.

Neste sentido, os dramas e tragédias às vezes enfrentados por nós seriam obra do acaso ou corresponderiam aquilo que se convencionou chamar de justiça divina? Seríamos, então, joguetes do destino ou do Criador? Considerando que a morte nos aguarda desde o nascimento, qual, então o sentido da vida?

Apesar de muitas serem as dúvidas, Mallick, dentro deste contexto, se preocupa menos em satisfazê-las e mais em proporcionar experimentações sensoriais capazes de levar cada um a tecer suas próprias conclusões, aspecto esse que leva A Árvore da Vida a se assemelhar, dessa vez com profundidade ainda maior, a outra obra, qual seja o insólito¹ Limite (Brasil, 1931) do brasileiro² Mário Peixoto, isso porque:

·      ambos os filmes se valem da percepção de clausura emanada da consciência da morte;

·      seus personagens são figuras errantes cujas trajetórias são caracterizadas ora pelo conformismo ora pela revolta ora pelo medo diante da inevitável limitação humana, razão pela qual alguns tem pressa em encurtar o caminho, eis que, aconteça o que acontecer, não há destino capaz de nos salvar da morte.

II - O Encontro de Terrence Mallick e Mário Peixoto:

Ante o exposto, A Árvore da Vida e Limite se confundem tanto no que diz respeito aos assuntos levantados como também quanto ao método utilizado para tanto. Herméticas, as produções não se prestam ao formato clássico da narrativa – embora no trabalho de Mallick seja mais fácil identificar e acompanhar um núcleo ficcional através do qual as idéias se desenvolvem – preferindo, desta feita, explorar, como já dito, o viés sensorial oriundo da interação do homem com seus pares e, sobretudo, com a natureza. Logo, a meta de Peixoto e Mallick não consiste em necessariamente contar uma história, concentrando-se, assim, na corporificação de uma tragédia universal, objetivo esse alcançado nas duas realizações mediante o uso de outros elementos em comum, senão vejamos³:

·      Fotografia: alterna takes fixos, rígidos com movimentos de câmera ora vertiginosos ora cadenciados.

·      Montagem: afasta a linearidade, em prol de planos completos em si mesmos cujo foco, conforme já dito, não paira sobre a narração, mas sim sobre o desenvolvimento um tema engendrado conforme a progressão das imagens.

III. E o Público?

Por óbvio que as escolhas de Mário Peixoto e Terrence Mallick acabam por não dialogar com a maior parte do público que, perante a complexa estética dos trabalhos, não consegue visualizar seus próprios dramas no conteúdo imagético. Inserido neste contexto, Nelson Pereira dos Santos certa vez abordou o insucesso comercial de suas duas primeiras realizações, Rio, Quarenta Graus³ (Brasil, 1955) e Rio, Zona Norte (Brasil, 1957) – não obstante a aclamação pela crítica –, nos seguintes termos:

“Esses resultados mostram que o público não tem aceitado nossos filmes, e acredito que por nossa culpa: ainda não sabemos fazer o filme que seja entendido por todos, porque não dominamos ainda o cinema como meio de expressão, e porque nos faltam tradição, escola e habilidade artesanal. Todos os filmes que fizemos e que faremos não se destinam a meia dúzia de pessoas, mas à grande maioria de nosso povo. E as rendas insignificantes que produziram mostram que não conseguimos ainda transmitir ao povo, com clareza e eficiência, a linguagem de emoção que o atinge diretamente” ⁴.

Guardadas as devidas ressalvas quanto as particularidades que levam cada realização cinematográfica a não encontrar o respaldo popular⁵-⁶-⁷, é inconteste que o dilema entre a realização de um material deliberadamente palatável para as massas ou a composição de um trabalho de irrestrita fidelidade e convicção as idéias e ideais do realizador constitui o ponto nevrálgico que assombra a qualidade da atividade cinematográfica e que tanto já serviu para o bem quanto para o mal de determinados movimentos como a Nouvelle Vague e o nosso Cinema Novo, por exemplo.

Por isso, é sempre digno de louvor quando artistas como Peixoto e Mallick demonstram coragem e ousadia, ignorando formatos pré-concebidos e expectativas negativas para, ato contínuo, realizar experiências ímpares que, de maneira inequívoca, contribuem para enriquecer não só a nós espectadores como também ao próprio cinema.

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1.     Expressão utilizada por Saulo Pereira de Mello no livro-análise Limite. Rio de Janeiro: Rocco, 1996.

2.     Mário Peixoto afirmava ter nascido em Bruxelas, Bélgica; todavia, as provas o mostram como originário da Tijuca, Rio de Janeiro.

3.     Neste sentido, Saulo Mello in Limite.

4.     FABRIS, Mariarosaria. Nelson Pereira dos Santos. Um Olhar Neo-realista? São Paulo: Editora da Universidade de São Paulo, 1994.

5.     Rio, Quarenta Graus só teve seus custos cobertos após dois anos de exibição. Tal qual Rio, Zona Norte, a obra se propunha a apresentar um Rio de Janeiro pobre, realidade essa que não despertava a atenção de espectadores vitimados por uma atividade cinematográfica alienante e dominante até então: a chanchada.

6.     A estréia de Limite ocorreu de forma apenas não comercial. Organizada pela Cinédia em parceria com o Chaplin Club, a sessão inaugural, ocorrida em 17.05.1931, acabou em bate-boca entre defensores e detratores. A polêmica fez com que os distribuidores ignorassem a obra. Limite foi o único filme dirigido por Peixoto.

7.     A Árvore da Vida ainda não teve sua vida útil nos cinemas encerrada.

 Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

COTAÇÕES:

A Árvore da Vida - ۞۞۞۞     

Limite - ۞۞۞۞

Ficha Técnica - A Árvore da Vida

Título Original: The Tree of Life

Direção e Roteiro: Terrence Malick

Produção: Bill Pohlad, Brad Pitt, Dede Gardner, Grant Hill, Sarah Green

Elenco: Joanna Going (Jack's Wife)Bryce Boudoin (Robert)Hunter McCracken (Young Jack)Tye Sheridan (Steve)Nicolas Gonda (Mr. Reynolds)Jessica Chastain (Mrs. O'Brien)Will Wallace (Architect)Tamara Jolaine (Mrs. Stone)Jodie Moore (Mr. Walsh)Sean Penn (Jack)Christopher Ryan (Prisoner)Fiona Shaw (Grandmother)Anne Nabors (Rue)Margaret Hoard (Jane)Zach Irsik (Jack's Son)Brayden Whisenhunt (Jo Bates)Danielle Rene (Third Women)Kimberly Whalen (Mrs. Brown )Brad Pitt (Mr. O'Brien)Cole Cockburn (Harry Bates)Jackson Hurst (Uncle Ray) Michael S howers (Mr. Brown)Crystal Mantecon (Elisa)Kelly Koonce (Father Haynes)Savannah Welch (Mrs. Kimball)Jimmy Donaldson (Jimmy)Tommy Hollis (Tommy)

País de Origem: Estados Unidos da América

Estreia no Brasil: 12 de Agosto de 2011

Estreia Mundial: 8 de Julho de 2011

Duração: 138 minutos

Ficha Técnica – Limite

Direção, Produção, Roteiro e Montagem: Mário Peixoto

Direção de fotografia: Edgar Brazil

Elenco: Olga Breno (mulher nº 1), Taciana Rei (mulher nº 2), Carmen Santos (prostituta do cais), Raul Schnoor (homem nº 1), Brutus Pedreira (homem nº 2), Mário Peixoto (homem do cemitério) e Edgar Brazil (espectador adormecido)

Estreia: 17.05.1931

Duração: 120 min. à cadência de 16 quadros por segundo.

Blade Runner – O Caçador de Andróides

Distopia Pós-Moderna

Lançado originalmente em 1982, Blade Runner – O Caçador de Andróides pode ser encarado ainda como herança dos tempos de pessimismo e desesperança acarretados pela derrota dos EUA no Vietnã, pelo escândalo do Watergate, pela tensão da Guerra Fria e pelo desastre ambiental resultado a partir do naufrágio, em 1978, do navio petroleiro Amoco Cadiz, motivo pelo qual ainda não se vislumbra na produção o cinismo que ao longo da década assolaria o cinema norte-americano.

Neste contexto, a distopia atua como fio condutor de uma trama cujo desenvolvimento se dá num planeta Terra devastado por acidentes ambientais e mudanças climáticas, daí a luz do sol pouco brilhar e as noites, além de longas, serem marcadas por intermináveis chuvas ácidas. Somado a isso, os conceitos de nação e de fronteira já não tem nenhum sentido, eis que orientais, árabes, latinos, europeus e americanos passam a dividir o mesmo espaço caótico deixado para aqueles que por limitações eugênicas não puderam aderir ao êxodo responsável pelo povoamento de colônias extraterrestres.

Em se tratando, portanto, de uma terra de ninguém, o Estado se torna ausente – exceto no que tange seu poder de polícia – deixando nas mãos de grandes companhias privadas uma economia arruinada pela desvalorização da moeda¹. Não fosse o bastante, a convivência homem-robô tanto funciona para estabelecer novas opções de relações afetivas e/ou sexuais, quanto instiga no primeiro o medo não só de ser superado, como também de ser esquecido em razão de sua finitude² – aspecto esse para o qual o diretor Ridley Scott aponta, mediante a quebra da Santíssima Trindade, a insuficiência da Igreja perante a angustiante certeza da morte.

Embora seja uma ficção científica quase trintenária, é interessante como Blade Runner permanece atual tanto em seu conteúdo quanto em sua forma, eis que:

·      a degradação ambiental e os limites éticos da cibernética permanecem na pauta de discussão internacional;

·       a concepção visual imaginada por Scott não parece em momento algum ultrapassada quando comparada aos mais recentes exemplos do gênero, mérito esse, vale frisar, devido aos estupendos trabalhos de fotografia e de direção de arte que unem elementos high-tech e retrôs num conjunto harmônico emoldurado por uma ambientação decadente de tons noir e, por conseguinte, expressionistas³.

Considerando, portanto, a qualidade com que oferece um leque tão vasto de leituras, soa injusto, então, que Blade Runner permaneça atrelado ao rótulo de cult movie, afinal, em primeiro lugar, o reconhecimento de público e crítica fora consideravelmente ampliado a partir do lançamento, em 1992, da chamada versão do diretor – daí o apelo do longa-metragem não poder mais ser compreendido como restrito a um nicho específico de adoradores – e em segundo lugar porque já é mais do que tempo do filme ser reconhecido como o clássico pós-moderno⁴ que é.

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1.     Por isso, produtos passam a ser pagos mediante a pergunta ‘isso é o suficente?’.

2.     Seja Deckard um replicante ou um homem, algo por ele nutrido é semelhante às duas espécies: o medo de perder, ante a proximidade da morte, o que um dia fora visto, experimentado e sentido.

3.     Se a perseguição aos andróides possui uma toada detetivesca, conforme o estilo de Raymond Chandler, os personagens e cenários distópicos, por sua vez, emulam o expressionismo alemão de obras como Metropolis e O Gabinete do Dr. Caligari.

4.     “Autorreferencial e consciente, o cinema pós-moderno bebe da fonte de uma cultura cinematográfica comum aos cineastas e ao público. Seu estilo, estrutura, enredos, composição de personagens e vocabulário técnico se inspiram em vários gêneros e clichês do passado, diluindo as fronteiras que separam a alta e a baixa culturas” (BERGAN, Ronald. ...Ismos - Para Entender o Cinema.São Paulo: Globo, 2010. p. 124).

 

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

 

COTAÇÃO – ۞۞۞۞۞

Ficha Técnica

Título Original:

Direção: Ridley Scott

Roteiro: Hampton Francher e David Webb Peoples baseado em obra de Philip K. Dirk

Produção: Michael Deeley

Elenco: Daryl Hannah (Pris)Rutger Hauer (Roy Batty) Kevin Thompson (Bear) M. Emmet Walsh (Bryant)Joe Turkel (Eldon Tyrell) Edward James Olmos (Gaff)Morgan Paull (Holden) Hy Pyke (Taffey Lewis) Harrison Ford (Rick Deckard)Ben Astar (Abdul ben Hassan)Brion James (Leon Kowalski)Tom Hutchinson (Bartender)James Hong (Hannibal Chew)Joanna Cassidy (Zhora)Carolyn DeMirjian (Saleslady)Bob Okazaki (Howie Lee) John Edward Allen (Kaiser)Sean Young (Rachael) Judith Burnett (Ming-Fa)William Sanderson (J.F. Sebastian)

Música: Vangelis

Fotografia: Jordan Cronenweth

Direção de Arte: David L. Snyder

Figurino: Michael Kaplan e Charles Knode

Edição: Marsha Nakashima

Estreia Mundial: 18.09.1982

País de Origem: Estados Unidos

Duração: 117 min.