Espantalho

Faça-se a Justiça

Max é um grosseirão, um ser turrão e aborrecido cujo modo de solucionar conflitos é distribuir sopapos. Francis é uma criança em corpo de adulto, um homem que, não obstante as dificuldades experimentadas, opta por procurar o lado positivo das coisas para com sorrisos desarmar seus oponentes. A princípio uma única semelhança associa os dois: a condição de andarilhos errantes. Aproximados pelo acaso, ambos iniciam uma jornada na qual a amizade cultivada e a influência entre eles trocada servirão de justificativas para a transformação de seus comportamentos.

Em Espantalho (EUA, 1973) Gene Hackman e Al Pacino formam na tela uma parceria que figura facilmente entre as maiores do cinema. Enquanto o primeiro é incumbido de revelar a humanidade de um tipo que não titubeia em anunciar que não ama a nada nem ninguém, Pacino, por sua vez, mostra o grande ator que um dia foi ao compor um personagem ingênuo cujo jeito constantemente brincalhão esconde profundos arrependimentos - sua impecável transição de um homem radiante para um ser moribundo, vale dizer, sintetiza toda a desesperança de uma sociedade cujos valores vinham sendo reavaliados desde a década anterior (1960) quando temas como preconceito racial e guerra do Vietnã levaram os jovens a assumir uma postura de protesto comprometida sobretudo com o presente.

Neste sentido, salta aos olhos o roteiro bem delineado em torno de uma metáfora cujo teor pacifista resume o flower power tão difundido pelos artistas de então. Somem-se aos pontos positivos mencionados, inegáveis virtudes técnicas como o belo trabalho de fotografia que, ao privilegiar os planos gerais, indica a vastidão e a solidão que circundam os protagonistas, bem como a inteligente edição de som que ora dá preferência ao silêncio ora ressalta ruídos em primeiro plano para, assim, criar a sensação de angústia pretendida pelo diretor Jerry Schatzberg.

Tantas qualidades, por fim, renderam a Espantalho o Grand Prix em Cannes, o que, entretanto, não impediu que o longa-metragem permanecesse esquecido no tempo. Talvez a presença de um eixo narrativo aparentemente semelhante ao de Perdidos na Noite (Midnight Cowboy, EUA, 1969) seja uma razão para tal “anonimato”, muito embora caiba frisar que, na verdade, desde a época de seu lançamento, o filme já não recebera o tratamento que lhe era de direito, daí o escritor Peter Biskind, ao longo de seu estudo sobre a incrível produção cinematográfica dos anos 70, afirmar: “O solo dessa época era tão fértil que produzia até um fascinante conjunto de obras secundárias, visto na época como inferior, do ponto de vista artístico ou comercial, mas que sem dúvida é repleto de mérito: Espantalho, O Último Acerto, (...) e vários filmes de Cassavetes”¹.

Logo, já passa da hora de fazer a justiça para Espantalho: uma produção sensível, de saborosa apreciação – dado o bem humorado desenvolvimento – e que não se acanha em descortinar um lado duro e melancólico, à medida que a caminhada de seus personagens vai lentamente se afastando do rumo por eles planejado para a satisfação de seus sonhos.

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1.    Como a Geração Sexo-Drogas-e-Rock’n’roll Salvou Hollywood. Rio de Janeiro: Intrínseca, 2009. p 14.

COTAÇÃO – ۞۞۞۞۞

 

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

Ficha Técnica

Título Original: Scarecrow

Direção:Jerry Schatzberg

Roteiro: Garry Michael White,

Produção: Robert M. Sherman

Música: Fred Myrow

Fotografia: Vilmos Zsigmond

Figurino: Jo Ynocencio

Edição: Evan A. Lottman e Craig McKay

Elenco: Ann Wedgeworth (Frenchy)Al Cingolani (Skipper)Rutanya Alda (Woman in Camper)Charles Noel (Doctor)Richard Lynch (Jack Riley)Richard Hackman (Mickey Grenwood)Gene Hackman (Max Millan)Penelope Allen (Annie Gleason)Eileen Brennan (Darlene)Dorothy Tristan (Coley)Al Pacino (Francis Lionel 'Lion' Delbuchi)

Duração: 112 minutos

A Dama no Lago

   Em “A Dama no Lago” (Lady in the Lake) um filme noir de 1947, o diretor Robert Montgomery (Do Lodo Brotou Uma Flor; O Amanhecer da Glória; Nascida Para Amar) ousou e obteve sucesso. Talvez não como gostaria, pois o filme não obteve sucesso de público na época de seu lançamento, porém, seja de maneira positiva ou negativa, o filme nunca deixa de ser citado, no que diz respeito ao seu estilo narrativo, que foi inegavelmente inovador.

   Robert Montgomery inovou ao contar a história do detetive Phillip Marlowe (interpretado pelo próprio Robert Montgomery), um detetive particular contratado pelo editor Darece Kigsby (Leon Ames) para encontrar sua esposa, a qual um mês antes, enviou-lhe um telegrama, dizendo que estava indo ao México casar-se com um homem chamado Chris Lavery (Dick Simmons), porém tendo sido visto recentemente pelo próprio Kigsby em Hollywood, Lavery demonstra desconhecer a viagem ao México. Marlowe então inicia sua investigação na casa de campo da família ao lado de um lago.

   Baseado no livro de Raymond Chandler, a investigação de Marlowe, de um caso aparentemente corriqueiro, complica-se bastante quando várias pessoas, relacionadas ao caso, começam a ser assassinadas. Mas a inovação cinematográfica da obra, veio no tipo de narração escolhido por Montgomery, que coloca a câmera, a qual representa a visão do detetive Marlowe, como um personagem fundamental na trama. E nos permite ir descobrindo junto cm o detetive todos os mistérios iniciados a partir de sua investigação. O que permite que o espectador interaja de certa forma com a trama desenvolvida, o que por outro lado também a deixa um tanto quanto lenta, mas de maneira alguma entediante, afinal de contas, trata-se de um filme noir.

   O que talvez tenha ofuscado um pouco o brilho dessa inovadora pérola narrativa seja o fato de que ao longo da trama, percebemos que ao contrário de nós, espectadores, Marlowe é um narrador oniciente dos fatos. Isso pode ser percebido a partir de interferências do próprio Marlowe na narrativa da obra, intervenções essas, nas quais ele deixa de ser o observador dos fatos e passa a dirigir-se diretamente ao espectador da obra, direcionando-nos aos fatos seguintes.

   As características do gênero noir na obra são inegáveis. A presença dos contrastes, claro e escuro, as locações tanto externas quanto internas, as personagens femininas sempre tão marcantes, expressivas e fundamentais na obra, a trilha sonora pouco presente, porém determinante e o silêncio, igualmente bem utilizado. “A Dama no Lago” nos apresenta a um diretor talvez pouco conhecido, mas totalmente consciente sobre como utilizar bem a câmera a favor de um roteiro, não original, mas igualmente bem desenvolvido.

 

Salma Nogueira.

Tragam-me a Cabeça de Alfredo Garcia

Western Hardcore

Após descobrir a gravidez de sua filha, chefão do crime organizado mexicano ordena que a mesma seja espancada até revelar a identidade do responsável pela paternidade, qual seja Alfredo Garcia, cuja cabeça é logo posta a prêmio. Contratado para encontrar o malfadado procriador, um músico de passado e caráter duvidosos logo descobre que Alfredo já está morto, razão pela qual o caçador de recompensas parte, junto com a amante prostituta, em busca do cadáver do qual será extirpada a tão valiosa cabeça.

Com base neste singelo argumento, Sam Peckinpah realiza através de Tragam-me a Cabeça de Alfredo Garcia (EUA/México, 1974) o tipo de trabalho visceral que Hollywood tanto lhe impedia de fazer; afinal, o filme, como sabido, é resultado da ira causada no diretor depois que seu Pat Garrett & Billy the Kid (EUA, 1973) foi retalhado por produtores. Lançando mão de uma dieta regada a álcool e drogas, o diretor, então, partiu ao México onde, com a colaboração de uma equipe local, encontrou a ambientação ideal para a realização de um longa-metragem de baixo orçamento calcado na repulsa por concessões as regras impostas pelos estúdios.

Hoje a violência de Alfredo Garcia pode não causar o mesmo impacto da época de seu lançamento, porém, seus personagens sórdidos, mesquinhos e ambíguos mantêm-se pulsantes como elementos fundamentais de uma narrativa transgressora, daí muitos verem Peckinpah como uma influência determinante ao estilo assinado por Quentin Tarantino – ainda que, no caso específico da produção em comento, a estética daquele primeiro, envolta por seres sebosos, bigodudos e boçais traga de imediato a lembrança dos trabalhos criados por Robert Rodriguez.

O certo é que poucos ousaram como Peckinpah, afinal, quem teria, tal como ele, a coragem de mostrar segundos de afeto trocados entre estuprador e vítima antes da consumação do fato? Quem utilizaria o mote da busca por uma cabeça em um gênero diferente do terror? Pode soar deveras incorreto, mas, há males que vem para o bem, isso porque nada como ter um trabalho mutilado por um estúdio para, em seguida, entregar um western urbano tão hardcore quanto Alfredo Garcia.

COTAÇÃO - ۞۞۞۞

 

Dario Façanha (texto originalmente publicado em http://www.setimacritica.blogspot.com)

Ficha Técnica

Título Original: Bring me the head of Alfredo García

Direção: Sam Peckinpah

Roteiro: Frank Kowalski, Gordon T. Dawson, Sam Peckinpah

Produtores:Helmut Dantine, Martin Baum

Elenco: Kris Kristofferson (Motoqueiro)Richard Bright (Barman)Emilio Fernández (El Jefe)Helmut Dantine (Max)Gig Young (Quill)Robert Webber (Sappensly)Isela Vega (Elita)Warren Oates (Bennie)

País de Origem: Estados Unidos da América

Estreia Mundial: 14 de Agosto de 1974

Duração: 112 minutos

Curiosidade: “Ao conceber a história de “Tragam-me a Cabeça de Alfredo Garcia”, Sam Peckinpah pensava em produzir um filme que espelhasse um velho clássico sobre o poder da cobiça, ‘O Tesouro de Sierra Madre’. Há até uma citação da obra de John Huston: depois de conhecer o pianista, um dos caçadores de recompensas do milionário se apresenta como Freddy C. Dobbs. O nome é o mesmo utilizado pelo personagem de Humphrey Bogart”. FONTE: http://www.cinereporter.com.br/dvd/tragam-me-a-cabeca-de-alfredo-garcia/